O Festival de Cinema de Cannes é um evento muito rico para realmente ter um ano de folga, mas no final da 72ª edição, foi mais ou menos universalmente reconhecido que o festival havia recuperado um festival completo e sagrado. Brilho de arte que faltava um pouco no ano anterior. Isso ajuda, é claro, a fazer filmes de autoria de autores famosos, e Terrence Malick, Pedro Almodóvar e Quentin Tarantino tiveram filmes em competição que transmitiram essa mistura de emoção artística e seriedade. Mas havia, além disso, muitas vozes promissoras que se elevaram acima da luta, de Céline Sciamma (“Portrait of a Lady on Fire”) a Robert Eggers (“The Lighthouse”), apontando o caminho para o futuro do cinema. Veja as considerações da revista Variety:
La Belle Époque
Escondida à vista entre as estreias fora de competição em Cannes, esta comédia francesa do roteirista e diretor Nicolas Bedos é o tipo de filme que os jornalistas rotineiramente ignoram em favor de títulos mais brilhantes de diretores internacionais. Então foi uma lufada de ar fresco para descobrir um filme de estúdio feito localmente, digno de comparação com “The Truman Show” ou o trabalho de Charlie Kaufman. O filme de alto conceito imagina um serviço de luxo em que os ricos podem pagar para mergulhar no passado, meticulosamente recriado para seu prazer por uma equipe de filmagem personalizada. A maioria prefere beber ou jantar com pessoas famosas – como Marie Antoinette ou Ernest Hemingway -, mas não o cartunista recém-abandonado (Daniel Aueuil), que opta por reviver o dia em que conheceu sua esposa (Fanny Ardant).
Deerskin
Roupas fazem o homem. Quem quer que cunhasse essa expressão não poderia ter imaginado os extremos hilariantes de que alguém como o diretor absurdo Quentin Dupieux (que alcançou certo status cult através de seus filmes “Rubber” e “Wrong”) poderia aceitá-la. Não há dúvida de que o trabalho de Dupieux é um gosto adquirido, embora faça um favor ao público ao escolher o ator vencedor do Oscar Jean Dujardin como um perdedor de meia-idade, convencido de que a compra de uma jaqueta de couro com franjas será melhorada. sua auto-imagem. Quando as mulheres não estão impressionadas, ele decide acentuar sua imagem com uma mentira, alegando ser um cineasta preparando uma sessão nas proximidades – como se vestir como Howdy Doody tornasse isso plausível. Mesmo quando o homem se desvia fora de controle, chegando a um ponto em que ele começa a matar os estranhos que se recusam a entregar seus casacos, Dujardin nunca quebra a fachada da seriedade do falso que um papel patético exige. O filme daria uma nota dupla ideal com “In Fabric”, de Peter Strickland, embora, aqui, a roupa não seja a do ataque. O personagem de Dujardin simplesmente levou seu assassino a parecer literalmente demais.
A Hidden Life
Terrence Malick, retornando à majestade cinematográfica ele mostrou em “A Árvore da Vida”, fez uma epopeia religiosa pastoral equilibrada entre a agonia e o arrebatamento. Mesmo que você tenha rejeitado a tontura do trabalho recente de Malick (“To the Wonder”, “Knight of Cups”), este pode acabar com você, embora tenha alguns desses motivos de assinatura – os pensamentos sussurrados em voz alta, o personagens posicionados contra paisagens que os definem mais do que suas palavras. Desta vez, porém, Malick usa suas técnicas líricas para forjar um drama que é todo um pedaço. Ele conta a história real de Franz Jägerstätter (August Diehl), um fazendeiro austríaco que não conseguiu lutar no exército de Hitler – ou mesmo jurar lealdade ao Führer, embora sua recusa em simplesmente dizer aquelas palavras quase certamente significasse que o Militares alemães condená-lo-iam à morte. Em vez de “explicar” a postura de Franz, Malick persuade o público, passo a passo,nós responder à pergunta: Como pode este homem, vivendo em um campo tão idílico como Éden, com uma esposa e três filhas que ele adora, concorda em não apenas a sacrificar-se, mas para deixar sua família deserta? A resposta é que ele não pode não fazê-lo; há uma linha de humanidade e espírito que ele não cruzará. Ao traçar a jornada de Franz, Malick contou a história de um diálogo com Deus que também é um drama da atualidade mais aguda e deliberada. Diz: Se não tivermos pessoas capazes de traçar essa linha na areia, fazendo isso dentro de seus próprios corações, então nossa civilização não ficará de pé.
I Lost My Body
Como um conceito bizarro como eu já vi na animação, o longa de estréia de Jérémy Clapin imagina uma mão decepada que toma vida própria, vagando pelas ruas de Paris em busca da pessoa a quem pertence. No começo, dado o tom macabro das primeiras cenas – que começam com a mão espalhando-se pelo chão de um sombrio laboratório de ciências – nós meio que esperamos que esse mistério não convencional conduza pelos sombrios corredores do film noir, mas, na verdade, ele se transforma bastante pungente e relatável, como o membro lentamente “lembra” momentos da vida que deu como certo. Mas pode o membro desencarnado encontrar o caminho de volta para a pessoa de quem ele foi separado? Certamente, como vão as buscas de desenhos animados, é uma aventura muito mais estranha do que, digamos, atravessar o mar para encontrar um peixe-palhaço perdido ou resgatar um brinquedo perdido.
The Lighthouse
A segunda longa-metragem dirigida por Robert Eggers (“A Feiticeira”) foi recebida em Cannes com um entusiasmo tão retumbante que houve uma pequena reclamação sobre o porquê de ela não ter sido selecionada para uma das vagas da competição. A explicação – se não justificativa – era simples: o filme parecia muito de um filme de gênero, o que não limpa a barreira do fator “classe” de Cannes. Neste caso, porém, eu desafiaria qualquer um a classificar o gênero. “The Lighthouse” é um drama emocionante e turbulento que é muito próprio do seu histórico gótico ominoso art-thriller. Situado na década de 1890 e filmado em preto-e-branco cintilantemente austero e com uma surpreendente proporção antiga de 1.19: 1 (um quadrado quase perfeito, como o do primeiro filme sonoro), ele se passa em uma ilha deserta de recortes irregulares. rocha, onde um velho cão-do-mar gnarled (Willem Dafoe, declamando suas falas como o capitão Ahab em um bender) está cuidando do farol lá enquanto treina seu novo assistente (Robert Pattinson). Estamos vendo um conto de sobrevivência, uma história de fantasmas vitoriana ou um estudo sobre insanidade mútua de fabricação lenta? Como sobre todo o acima? Dafoe e Pattinson, interpretando esses caipiras rudes, fazem o que muitas vezes parece a versão de um período de Sam Shepard, e eles são fascinantes o suficiente para fixar nossa atenção.
Once Upon a Time… in Hollywood
Foi esmagadoramente o filme mais esperado do festival, impulsionado por uma única esperança: poderia ser um daqueles filmes de Quentin Tarantino que entram na sua corrente sanguínea como uma droga, onde cada momento é marcado por algo inefável, o fator x que fez “Pulp Fiction” a pedra de toque indie do seu tempo? No final, “Era uma vez … em Hollywood” não é bem que o filme do fator x – embora por longos períodos (mais de metade disso), parece que poderia ser. É uma colagem de splatter nostálgica inebriante, envolvente, caleidoscópica, espetacularmente detalhada de um filme, um conto épico de Hollywood backlot em 1969. Tarantino conta a história dupla de Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), um ator de TV-Western cuja carreira atingiu os skids e Cliff Booth (Brad Pitt), o dublê e o melhor amigo de Rick. DiCaprio e Pitt preenchem seus papéis com tanta convicção de estrela de cinema que ficamos felizes em nos acomodar e ver Tarantino desdobrando esse conto em qualquer direção que ele queira. E ele faz digressão, naquele seguir-seu-livre-associacional-bliss way. Bruce Lee, westerns spaghetti, fetichismo: O filme é uma cornucópia inebriante da obsessão de Tarantino, tudo coalescendo em torno de Hollywood, que é a própria fonte de seus sonhos. E depois, claro, há os assassinatos do Manson. Tarantino nos leva mais fundo do que estivemos na vida de Sharon Tate (Margot Robbie), e ele usa brilhantemente a presença das garotas do Manson para sugerir algo no cosmos de Hollywood que é diabólico em suas más vibrações. No entanto, a maneira como o filme resolve tudo isso parece fácil demais. No final, Tarantino fez algo que é essencialmente Tarantino, mas não se sente nem um pouco revolucionário. Ele reduziu a história que ele está contando para polpa.
Pain and Glory
Para quem se lembra dos dias em que Pedro Almodóvar era visto como um rebelde, e não como um respeitado escritor espanhol, “Pain and Glory” representa a plena floração de um processo de maturação de décadas. Ele também serve como uma espécie de segunda saída para o diretor abertamente gay, mudando o foco de sua sexualidade para revelar uma outra faceta de sua vida sobre a qual ele tem sido bastante reservado até agora: a maneira pela qual a existência diária do diretor é definida por uma luta constante contra a dor, devido a uma série de doenças que pesam sobre ele em todos os momentos. Aprender este detalhe íntimo sobre Almodóvar neste ponto de sua carreira acrescenta uma visão surpreendente do resto de sua filmografia, que é enriquecida com este filme. Acrescentando mais camadas a este trabalho enganadoramente ambíguo de autoficção, Almodóvar lança um ator cuja carreira foi lançada por seus primeiros filmes, Antonio Banderas, como diretor buscando a reconciliação com uma de suas estrelas distantes.
Parasite
Apenas um ano após as obras-primas asiáticas “Shoplifters” e “Burning” estrearem em competição em Cannes, o diretor sul-coreano Bong Joon-ho (“The Host”) apareceu com esse thriller de dinamite, que tão subverte os dois filmes que quase parece uma resposta calculada. De fato, “ Parasita”Mostra como o excitante cinema de autor tem estado nesse canto do mundo ultimamente, enquanto diretores buscam maneiras diferentes de comentar sobre o preconceito social e a luta de classes estratificada. Em “Shoplifters”, encontramos uma família de oportunistas que romperam a lei, unidos por necessidade, mais do que sangue; aqui, uma família de pequenos vigaristas finge que não estão relacionados, a fim de tirar proveito de uma família rica, que contrata cada um deles em diferentes funções de apoio ao redor da casa. Onde “Burning” dramatizou as tentativas desesperadas de um perdedor de classe baixa para impor significado a eventos fora de seu controle, “Parasite” opera com a premissa de que seus trapaceiros têm “nenhum plano”, improvisando seu caminho até que as coisas saiam de seu controle . Bong afirmou que o filme não pode ser totalmente entendido fora da Coreia do seu país.
Portrait of a Lady on Fire
Ao longo de 72 edições, a Palma de Ouro foi concedida apenas uma vez a uma diretora feminina. O quarto longa de Céline Sciamma – e a primeira a ser exibida na competição oficial – é tão forte quanto a do vencedor anterior, “The Piano”, de 1993. Abraçando um tipo de romance completamente diferente, Sciamma tem como tema a dinâmica entre um falecido Artista do século 18 (Noémie Merlant) e sua musa (Adèle Haenel), examinando o que significa para as mulheres encontrar-se em ambos os lados do processo artístico: representado na pintura, mas também incluído no processo de fabricação. Até bem recentemente, essa liberdade particular sempre dependia da permissão dos homens, que também ditavam o estilo e os assuntos considerados apropriados. Em sua própria maneira maliciosamente subversiva, Sciamma desafia tais noções, jogando por regras masculinas, mas apenas até certo ponto, mesmo quando ela reinventa como uma cena de sexo pode se desdobrar, ou sai do seu caminho para incluir uma subtrama sobre o aborto na época. O resultado é intelectualmente rico e emocionalmente poderoso – um ato revolucionário disfarçado em elegância do período educado.
Sorry We Missed You
Há cineastas que ficam mais jovens à medida que envelhecem – contra todas as probabilidades, tornam-se mais ágeis, com olhos claros, musculosos e relevantes. Aos 82 anos, o diretor britânico Ken Loach está fazendo filmes que se conectam, com um senso de tempo quase cármico, ao drama social do nosso momento. “Sorry We Missed You” é sobre uma família estressada tentando fazer isso na economia do gig, e como o vencedor de Loach em 2016 na Palme d’Or “Eu, Daniel Blake”, é outro drama íntimo e poderoso sobre o que realmente é. acontecendo na vida das pessoas – não apenas na Inglaterra, mas em todo o mundo. Quando Ricky (Kris Hitchen), um dia trabalhador em Newscastle, vai trabalhar como motorista de furgão de entrega para PDF (Parcelas Entregues Rápido!), Ele disse que ele vai ser um trabalhador “independente”, não entregue a ninguém. Na verdade, ele se tornou um servo contratado. A ansiedade multitarefa do trabalho de Ricky, de contornar as falhas e nunca estragar, torna-se a fonte da textura do filme, mas este também é um drama doloroso de uma família no limbo. É a visão geral de Loach das precárias forças econômicas que estão unindo nosso mundo – e, cada vez mais, o desintegrando – que faz com que “Sorry We Missed You” seja um filme cheio de coisas, cheio de preocupações e galvanizador.
